David Byrne 의 어떻게 건축은 음악의 발전에 도움을 주었나 에 관하여.

이 장소는 제가 어렸을때 썼었던 음악들이 처음으로 공연된 장소입니다. 이 곳은 아주 굉장히 좋은 사운딩이 되는 방 이었습니다. 여기저기에 있는 울퉁불퉁한 벽과 여기저기 늘어져있는 잡동 사니들 덕에 꽤 좋은 소리가 나올수 있었습니다. 이 곡이 이 곳에서 녹음된 곡 입니다. (음악) 이건 Talking Heads* 가 아닙니다. (*David Byrne 가 보컬/작곡가로 활동했던 1970년대 그룹) 적어도 이 사진에서는요. (Talking heads 의 A Clean Break (Let's work) 라는 곡이 흘러나옴) 이 방의 본성은 말이 잘 전달 되는가 라는 뜻이기도 했지요 곡의 가사들은 거의 전달이 잘 되었지요. 사운딩 시스템은 그럭저럭 괜찮았습니다. 그리고 방안에서 소리가 반사되거나 하는일이 별로 없었지요. 그래서 리듬도 꽤 본질 적이고 정확 했습니다. 나라안의 여러군데에 이런 비슷한 장소들이 있었지요. 이것은 Nashville 에 있는 Tootsie's Orchid Lounge 라는 곳 입니다. 여기서 한 음악은 여러방면에서 조금 달랐습니다. 하지만 전체적인 틀과 형식은 거의 같았지요. 관객들의 반응들도 거의 같았구요. Tootsi 에서 연주를 하는 밴드들은 CBGB 에서도 그렇구요, 음악을 하주 크게 연주해야 했습니다. 그렇게 크게 연주 해야만 쓰러지고 소리치거나 무었이던 간에 그런 관중들의 소리를 넘어 설수 있었으니까요.

그 후로, 저는 많은 곳에서 연주를 했습니다. 좀 더 좋은 곳에서 말이지요. 디즈니 홀에서도 연주를 했었고 카네기 홀 같은 곳에서도 연주를 했습니다. 그리고 그런 경험들은 아주 흥미 로웠습니다. 하지만 제가 알게 된건, 제가 썼던 음악들이 아니면 쓰고 있었던 음악들이 종종 그런 홀 들에서는 그닥 좋게 들이지 않는다는것 이었습니다. 열심히 노력은 했지만 그런 홀들은 종종 제가 쓰고 있었던, 혹은 썼던 음악들과는 잘 맞지 앉는 곳 이었던 것이지요. 그래서 제 스스로에게 물었습니다. 어떠한 장소에 맞게끔 작곡을 해야하는 걸까? 내가 작곡을 할때에 생각해두는 장소나 공간이 있는걸까? 그게 창조에 맞는 모델인가? 그리는 모두 어떤것을 만들때, 그 것이 있을 장소나 상황을 염두해 두고 만드는가?

아프리카를 생각해 봅시다. (음악: Wenlenga- 여러 아티스트) 우리가 요즘 듣는 유명한 음악들의 대부분은 아프리카 서부에서 많은 부분의 근원을 두고있습니다. 그리고 그 지역 음악들은, 저는 이렇게 말할수 있을것 같은데요, 악기들과 복잡한 리듬들, 그것들이 연주되는 방식, 환경, 그리고 상황등이 모두 완벽 합니다. 다 완벽히 연주되지요. 그 아프리카의 환경에서는 음악들이 완벽히 연주 됩니다. 그곳에는 소리의 되울림이나 리듬을 방해할 큰 장소들이 있지 않습니다. 그곳의 악기들은 소리가 커서 음의 증폭 등등이 없이 들릴수 있습니다. 이건 우연이 아니지요. 그 상황에서는 그게 완벽하게 이루어 지는것 입니다. 그리고 이런것들은 이런 상황에서는 완전히 엉망 징창이 되겠죠. 이것은 고딕양식의 대 성당 입니다. (음악: Thomas Tallis 의 Spn In Alium) 이런 고딕 대성당에서는 이런 음악이 딱 맞지요. 이런 음악들은 음의 키를 바꾸지 않습니다. 한 음이 길고요. 그리고 거의 리듬 이라는게 있지 않지요. 그리고 이 장소 자체가 음악을 아름답게 만듭니다. 오히려 더 낫게 만들기도 하지요. 이 곳은 바흐가 그의 곡들을 썼던 곳 입니다 이것은 오르간 이구요. 이 곳은 대성당 처럼 큰 곳은 아니지만 그래서 그는 이곳에서 조금 더 복잡한 음악을 작곡할수 있었습니다. 그는, 아주 발전적이게도, 음의 키를 바꿉니다. 큰 불협화음을 내지 않으면서도요. (음악: Johann S. Bach 의 Fantasa On Jesu, Mein Freunde)

이것은 조금 더 나중에, 모차르트가 작곡을 하던 곳 입니다. 1770년대 쯤 인것 같네요. 조금 더 작고, 오히려 조금 덜 울림이 생기는 곳 이지요. 그래서 조금 더 화려하고 매우 복잡한 음악을 작곡 할수 있었습니다. 그리고 그런 효과들이 잘 나타납니다. (?) (음악: Wolfgang A.Mozart 의 Sonata in F. KV13) 이 음악은 이 방에 아주 딱 맞습니다. 이건 La Scala* 인데요 (*이탈리아 밀란에 있는 국립 오페라 하우스) 비슷한 시대에 생긴겁니다 제생각에는 이 건물은 1776년정도에 지어진것 같습니다. 이 오페라가 지어졌을때, 오페라 하우스 안의 관객들은 서로에게 소리를 질르곤 했습니다. 그들은 그곳에서 먹고, 마시고, 그리고 서로에게 스테이지에서 소리를 지르곤 했습니다. CBGB 같은 곳에서 사람들이 그러는것 처럼요. 그들이 어떤 아리아*를 좋아했다면, (*오페라 등에서 악기의 반주가 있는 독창곡) 그들은 큰 소리를 지르면서 다시 연주 해 달라며 앵콜 요청을 하기도 했습니다. 쇼의 마지막이 아니라 아주 바로요. (웃음) 그게 오페라에서 경험 할수 있는것들 이었지요. 이것은 바그너 (Wagner) 가 자신을 위해서 지은 오페라 하우스 입니다. 이 장소는 그렇게 크지는 않지요. 지금 이 장소보다도 작은 곳이지요. 하지만 바그너는 혁신은 만들어 냈습니다. 그는 조금 더 큰 밴드를 원했지요. 그는 조금 더 과장 된것들을 원했습니다. 그래서 그는 오페라의 핏의 크기를 늘여서 그 안에 low-end 악기들은 넣을수 있게 하기 위함 이었지요. (음악: Richard Wagner 의 Lohengrin/ Prelude to Act III')

네. 이것은 카네기 홀 입니다. 보시다 시피, 이런 경향은 인기를 얻게 되었습니다. 홀들이 커졌지요. 카네기 홀은 아주 큰 편 입니다. 다른 심포니 홀 들 보다 아주 큽니다. 그리고 La Scala 보다 아주 많은 울림이 있지요. 그에 맞게, 뉴요커 지에 글을 쓰는 Alex Ross 에 말에 의하면 이런 룰들은 관중들이 조용이 할수 밖에 없는 현상을 만들었다고 합니다. 더이상 먹을수도, 마실수도, 스테이지에서 소리칠수도 없고 공연을 보면서 서로 가쉽에 대해서 이야기 할수도 없지요. 다들 아주 조용해졌어야만 했습니다. 이 두가지가 만났다는것은 즉 이런 홀 들에서는 다른 방식의 음악이 가장 효과가 있다는것 이었습니다. 이것은 즉 과격한 다이나믹함- 다른 비슷한 음악들에는 없었던- 그런것들이 있을수 있다는걸 뜻했습니다. 조용히 연주 되는 부분들- 가쉽과 고함들 사이에 파묻혀 버린 것들 까지 들을수 있게 된것입니다. 하지만 카네기 홀 같은 장소의 울림이 때문에 음악들은 조금 덜 리드미컬 해져야 하고, 대신에 조금 더 짜임새 있는 구성이 있어야 했습니다. (음악: Gustav Mahler 의 Symphony No.8 in E Flat Major) 이것은 Mahler 입니다. Bob Dylan 같지만 Mahler 입니다. Bob 의 마지막 앨범 이었지요. 네.

(웃음)

팝 뮤직들도 같은 방식으로 변화하고 있습니다. 재즈 밴드 입니다. Scott Joplin 에 따르면, 밴드는 강 배위에서나 클럽에서 연주를 했다고 합니다. 또, 시끄러운 곳이지요. 그들은 댄서들을 위해서 연주 했습니다. 그들의 음악들을 몇몇 부분으로 나누어져 있었는데요, 특히 댄서들이 좋아하는 부분들이 있었습니다. 그러면 그들은 '그 부분 다시 연주해 주세요' 하고 말했겠지요. 하지만 글쎄요, 사실 댄서들을 위해서 계속 계속 반복해서 연주 해줄수 있는 부분들을 한계가 있지요. 그래서 밴드들은 새로운 멜로디 들을 즉흥적으로 만들어 내기 시작했습니다. 그러면서 새로운 형식의 음악들이 탄생하기 시작했습니다. (음악: W.C.Handy/Ethel waters 의 Royal Garden Blues) 이 음악들은 주로 작은 장소에서 연주 됩니다. 사람들을 춤추고, 소리지르고, 마시고. 그래서 음악은 들릴수 있을 만큼 크게 연주 됬었어야 했습니다. 이것은 이 세기의 초반- 그리고 20세기 전반적인 음악들에게 똑같이 적용이 됩니다. 락 이던지, 라틴 음악 이던지 간에요. 그렇게 변하는게 별로 없지요.

20세기의 한 3분의 1 정도가 지나자 바뀌었습니다. 이런게 음악의 근본적인 장소가 되었을때 말이지요 그리고 이 것이 음악이 절달되는 방법중 하나가 되었습니다. 마이크는 특히 가수들, 그리고 음악가들, 작곡가들이 작곡 하는 음악의 종류들을 완전히 바꾸어 놓았습니다. 그래서 지금까지, 라디오에서 나온 것들은 주로 라이브 음악 이었는데, Frank Sinatra 같은 가수는 마이크를 활용해서 마이크 없이는 절대 할수 없었던 것들을 할수 있었습니다. 그 이후의 가수들은 그보다 더 나아갔지요. (음악: Chet Baker 의 My Funny Valentine) Chet Baker 입니다. 그리고 이런 것 들은 마이크 없이는 절대 가능하지 않은것 들 이지요. 그리고 이것들은 녹음된 음악들로도 가능하지 않은것 이었습니다. 그는 당신의 귀에 바로 대고 노래하는것 같지요. 당신에 귀에 대고 속삭이듯이요. 이런 효과는 아주 전기가 흐르듯 하지요. 이것은 마치 이런 사람들이 당신 옆에 앉아서, 뭘 말하던 간에, 속삭이는것 같은 느낌을 줍니다.

그래서 이 시점에서 음악은 갈라지게 됩니다. 라이브 음악과 녹음된 음악으로요. 그리고 그 둘은 이제 더이상 같지 않아도 됩니다. 그래서 이제는 이런 디스코 텍이 있고, 바에 있는 쥬크박스도 있습니다. 모두 밴드가 필요 하지도 않은 곳들 이지요. 라이브로 연주하는 음악가들이 절대 필요 하지 않은 곳 들 입니다. 그리고 사운드 시스템이 아주 좋기까지 합니다. 그래서 사람들은 디스코에 특별히 맞춘 , 그리고 그런 사운드 시스템에 적합한 음악들을 만들기 시작했습니다. 그리고 재즈와 같이, 댄서들이 특별히 다른 부분들 보다 좋아하는 부분이 있는데, 그래서 초기의 힙합 음악가들은 특정 부분을 반복해 넣었지요. (음악: The sugarhill gang 의 Rapper's delight) MC가 가사를 즉흥적으로 만들어 내기도 합니다. 재즈 연주자들이 멜로디를 즉흥적으로 만들어 냈듯이요. 그리고 또 다른 형태의 음악이 탄생하게 됩니다.

라이브 공연이 엄청난 성공을 거두었던게, 어쿠스틱 한 면으로 보자면 지구에서 가장 안 좋은 사운딩 시스템을 가지고 있는 운동 경기장이나, 농구 경기장, 하키 경기장 같은 곳에서 연주 되기에 이르렀습니다. 그곳에서 연주 하게된 음악가들은 나름 최선을 다 했지요. 그들은 '경기장 락' 이라고 부르는 음악들을 쓰기 시작했습니다. 중간 스피드의 발라드같은것 이었지요. (음악: U2 의 I still haven't found what I'm Looking for) 그들은 그들에게 주어진 것에 맞추어서 작곡하면서 최선을 다했습니다. 템포는 중간 정도이고, 음향은 아주 크지요. 이건 음악 적인 상황 이라기 보다는 사회 적 상황 인 것 이지요. 그리고 어떤 면에서는, 이런 장소를 위해서 쓴 음악들은 그곳에서 제대로 효과를 발효 합니다.

새로운 장소들도 있지요. 그것들중 하나는 자동차 입니다. 저는 라디오가 있는 차와 함꼐 자랐는데요, 하지만 이것에도 많은 발전이 있었습니다. 이제는 차가 하나의 장소 역활을 합니다. (음악: Lil' Jon 와 The East Side Boyz 의 Who U Wit) 이런 음악, 이렇게 말할수 있을것 같은데요, 자동차 사운드 시스템을 위해 만들어 진 음악은 그 안에서 또 완벽한 효과를 냅니다. 집에서 듣고 싶은 음악이 될지는 않을수도 있지만, 차에서는 아주 적절 하지요. 엄청난 빈도의 스펙트럼이 있구요, 아시다 시피, 큰 베이스 음향과 세련됨 그리고 가운데 껴있는 목소리 까지. 자동차 음악은, 친구들과 함께 들을수도 있습니다.

다른 새로운 장소도 있습니다. 개인용 MP3 플레이어 입니다. 아마, 크리스챤 음악을 위해서 일지도 모르겠는데요, (웃음) 어떤 면에서는 이 건 카네기 홀과도 같습니다. 듣는 사람은 아주 조용해져야 하는데, 왜냐면 이제는 아주 작은 세세한 디데일 까지 들을수 있기 때문 입니다. 어떻게 보면, 아프리카서부 음악과도 같습니다. 왜냐하면 MP3 플레이어가 너무 조용해 지면 음량을 조절하게 되는데, 조금 있으면 엄청나게 큰 소리에 귀가 터질것 같기도 하기 때문이지요. 그래서 그렇게 효과가 있지는 않습니다. 제 생각에는, 특히 요즘 쓰인 팝 음악들은 어떤 면에서 보면 이런 플레이어들을 위해 쓰여지는것 같습니다. 이런 자세한 디테일 까지 들을수 있는 개인적인 경험을 위해서요. 하지만 다이내믹 자체는 바뀌지 않습니다.

그래서 저는 스스로에게 이렇게 질문 합니다. 그래, 이게 창조에 모델인가, 이렇게 적응 해 나가는것이? 그리고 이런 것이 다른 곳에서도 일어나는 것인가? 하고요. 글쎄요, David Attenborough 와 몇몇 사람들에 의하면요, 새들도 그런다고 합니다. 우거진 숲- 캐노피에 있는 새들은 즉, 잎들이 무성한 곳에서는 그들의 짖음은 높은 음과 짧고 반복적인 경향이 있다고 합니다. 그리고 바닥에 있는 새들은 낮은 음으로 지저귄다고 합니다. 이렇게 함으로서 소리가 바닥에서 치고 울림에 의해 방해 되지 않게 하기 위해서죠. Savannah sparrow 같은 새들은 윙윙 거리는 울림의 (Savannah Sparrow 가 우는 소리가 담긴 클립) 소리를 냅니다. 그리고 이것은 밝혀지기로는 가장 에너지를 절약하는 효과적인 savannahs 안에서 소리를 전달할수 있는 방법 이라고 하네요. 다른 새들, 이런 tananger 들은 그들의 같은 종족끼리 적응해 왔습니다. 미국의 동부 지방- 숲들이 조금 더 무성한 지방에 있는 tananger 새들은 한가지 소리를 내고요, 서부 지방에 있는 tananger 들은 (Scarlet tananger 의 지저귐 소리) 또 조금 다른 형태의 소리를 냅니다. (Scarlet tananger 의 지저귐 소리) 그래서, 새들도 그런다 이거지요.

그래서 이런 생각이 들었습니다. 음, 이게 창조의 모델이고 우리가 음악을 만드는, 적어도 그런 것을 어떤 상황에 맞게 만드는 사람들이면, 그리고 우리가 갤러리의 벽이나 박물관의 벽 그리고 현재 존재하는 시스템에 맞는 소프트 웨어를 개발하면, 그게 과연 잘 하는 방식일까? 네. 저는 이게 진보적이라고 생각합니다. 적응해 나가는 것 이죠. 하지만 기쁨, 열정 그리고 즐거움은 그대로 있습니다. 이것이 보통의 로맨틱함의 시점과는 상반된 시점이 되는 것 이지요. 로맨틱한 시점은 먼저 열정이 있어야 하고, 그 다음의 감정이 흘러 넘쳐서, 그러고 그 다음에 어쨋든 뭔가로 만들어 진다. 이것입니다. 제가 말하고자 하는것은, 열정은 그대로 있습니다. 하지만 그 열정이 뭔가로 흘러 가고 넣어지는 본능적이고 직관적인 통로는 먼저 만들어져야 한다는 것 입니다. 우리는 이미 어디로 열정이 흘러가는지 알고 있습니다. 하지만 이런것에 대한 상반된 시각들은 흥미롭지요.

작가 Thomas Frank 는 말했습니다. 이것은 왜 종종 사람들이 자기의 최 관심과는 상반된 것에 투표를 하는가에 대한 설명이 되겠는데요, 그런 투표자들, 즉 많은 우리 같읕 사람들은 뭔가 순수하고, 본질적이고 열정적이고 즉흥적인것을 들을때 그것에 한표를 던질 것 이라는 것 입니다. 그 말인 즉슨, 어떤 사람이 그 순수함을 만들어 내고, 열정을 표방한다면 그들이 사실 뽑힐수 있는 기회를 더 갖게 된다는 것 이지요. 이것은 아주 위험한 일 입니다. 제 말은 두가지, 열정, 그리고 즐거움들이 서로 독점적이지 않다고 하는것이 아닙니다.

아마 세계가 지금 필요한것은 우리가 새들과 같다는 것을 깨닳아야 한다는것 일것 입니다. 우리는 적응하고, 우리는 노래합니다. 그리고 새들과 같이, 그것들이 주는 즐거움이 아직 있습니다. 우리에게 주어진 상황에 우리가 맞추어 변화 해야 할지라도 말이죠.

감사합니다.

(박수)