Thelma Golden: Wie Kunst kulturellen Wandel formt

Die brillante Bühnenautorin Adrienne Kennedy schrieb ein Buch namens "Menschen, die eine Hauptrolle in einem meiner Stücke spielten". Und falls ich ein Buch schreiben sollte, würde es "Künstler, die in meinen Austellungen gezeigt wurden" heißen, da meine Arbeit zum Verstehen von Kunst und dem Verstehen von Kultur durch das Auseinandersetzen mit Künstlern, durch das Sehen was die Künstler beabsichtigten und was sie tun und wer sie sind, zustande gekommen ist. Jay Jay aus "Gute Zeiten" (Beifall) war natürlich bedeutend für viele Menschen auf Grund von "dyn-o-mite" aber vielleicht war er wichtiger als der erste wirklich schwarze Künstler in der Hauptsendezeit. Jean-Michel Basquiat war wichtig für mich, weil er der erste schwarze Künstler in Echtzeit war, der mir die Möglichkeit davon gezeigt hat, wer und von was ich bald Teil sein würde.

Mein gesamtes Projekt ist über Kunst, besonders, über schwarze Künstler, sehr generell über die Art wie Kunst die Art, wie wir über Kultur und uns selbst denken, ändern kann. Mein Interesse gilt Künstlern, die Geschichte verstehen und neu schreiben, die über sich selbst in der Geschichte der weitgefassten Welt der Kunst nachdenken, die aber neue Plätze zum Sehen und Verstehen für uns erschaffen haben. Ich zeige hier zwei Künstler, Glenn Ligon und Carol Walker, zwei von vielen, die, für mich, wirklich die wesentlichen Fragen formulieren, die ich als Kuratorin an die Welt bringen wollte. Ich war interessiert an der Idee des 'Warum' und 'Wie'. Ich konnte eine neue Geschichte, eine neue Erzählung in der Kunstgeschichte und eine neue Erzählung in der Welt erschaffen. Und um dies zu tun, wusste ich, dass ich sehen musste auf welche Weise Künstler arbeiten, dass ich das Künstleratelier als Labor verstehen musste. Stellt euch vor, die Neuerfindung des Museums als Denkfabrik und die Betrachtung einer Austellung als ultimatives leeres Blatt um Fragen zu stellen und den Platz zu gewähren, um die Antworten zu suchen und zu denken.

1994, als ich Kuratorin im Whitney Museum war, erstellte ich eine Austellung namens "Schwarzer Mann". Sie befasste sich mit der Überschneidung von Rasse und Geschlecht in zeitgenössischer amerikanischer Kunst. Sie versuchte ausdrücken auf welche Weisen Kunst Platz für einen Dialog bieten kann, komplizierter Dialog, Dialog mit vielen, vielen Ansatzpunkten und wie das Museum den Platz für diese Auseinandersetzung der Ideen sein kann. Die Austellung beinhaltete über zwanzig Künstler verschiedenen Alters und Nationalität, aber alle betrachteten schwarze Männlichkeit von einem sehr spezifischen Winkel. Was bemerkenswert an dieser Austellung war, ist die Art, wie sie mich gefordert hat, in meiner Rolle als Kuratorin, als Katalyst für diesen Dialog. Eines der Dinge, die sehr offensichtlich während dieser Austellung passierten, war, dass ich konfrontiert wurde mit der Idee, wie mächtig Bilder sein können und das Verständnis das Menschen von sich selbst und einander haben.

Ich zeige euch zwei Arbeiten, auf der rechten von Leon Golub und auf der linken von Robert Colescott. Und im Laufe der Ausstellung, die umstritten, kontrovers und schlussendlich, für mich, lebensverändernd war für meinem Verständnis was Kunst sein kann, kam eine Frau im Ausstellungsraum auf mich zu, um ihre Bedenken über die Wesensart, wie mächtig Bilder sein könnten und wie wir einander verstanden. Und sie zeigte auf das linke Werk, um mir zu sagen, wie problematisch dieses Bild war, das es für sie mit der Idee zusammenhing, wie Schwarze repräsentiert worden waren. Und sie zeigte auf das rechte Werk als Beispiel, für mich, für die Art von Würde, die gezeigt werden muss, um gegen solche Bilder in der Öffentlichkeit zu arbeiten. Dann bestimmte sie für diese Werke Rassenidentitäten, sie sagte mir im Grunde, dass das Werk rechts, offensichtlich, von einem schwarten Künstler gemacht wurde, das Werk links, klar von einem weißen Künstler, obwohl in Wahrheit, das Gegenteil der Fall war. Bob Colescott, afroamerikanischer Künstler, Leon Golub, ein weißer Künstler. Der Punkt hiervon war für mich zu sagen, an dem Ort, in dem Moment, dass ich wirklich, mehr als alles andere, verstehen wollte, wie Bilder funktioinieren können, wie Bilder funktionierten und wie Künstler einen größeren Raum bereitstellen, als einen, den wir uns in unseren täglichen Leben vorstellen können, um durch diese Bilder zu arbeiten.

Schnellvorlauf und ich gelange nach Harlem, das Zuhause für viele des schwarzen Amerika, auf jeden Fall das spirituelle Herz der Erfahrung schwarz zu sein, der eigentliche Schauplatz, wo die gesamte Harlem Renaissance existierte. Harlem nun, in gewisser Weise erklärt und denkt über sich selbst in diesem Teil des Jahrhunderts, sowohl rückwärts und vorwärts schauend. Ich sage immer, Harlem ist eine interessante Gemeinschaft, da, im Unterschied zu vielen anderen Orten, es über sich selbst simultan in der Vergangenheit, der Gegenwart und in der Zukunft denkt. Niemand redet über es nur im Jetzt. Es ist immer was es war und was es sein kann. Und, im Denken über dies, in meinem zweiten Projekt, die zweite Frage, die ich stelle. Kann ein Museum der Katalysator einer Gemeinschaft sein? Kann ein Museum Künstler beherbergen und ihnen erlauben Gestalter zu sein when Gemeinschaften sich neu erdenken? Dies ist Harlem, tatsächlich, am 20. Januar, über sich selbst denkend in einer sehr schönen Art.

So arbeite ich jetzt im Studio Museum in Harlem, ich denke über dortige Austellungen nach, ich denke darüber nach was es heißt die Möglichkeit von Kunst zu entdecken. Nun, was heißt das für manche von euch? In manchen Fällen, weiß ich, dass viele von euch involviert sind in interkulturelle Dialoge, ihr seid involviert in kreative und innovative Ideen. Denkt darüber nach welchen Platz Künstler darin spielen könnten. Dies ist die Art von Inkubation und Eintreten auf die ich hinarbeite bei der Arbeit mit jungen schwarzen Künstlern. Denkt über Künstler nicht als Inhaltgeber, obwohl sie darin brillant sein können, sondern, wieder, als echte Katalysatoren.

Das Studio Museum wurde in den späten 60. gegründet. Und ich erwähne dies, da es wichitg ist diese Praxis in der Geschichte aufzufinden, 1968 anzusehen, als den unglaublichen historischen Moment, der es ist, und an den Bogen zu denken, der sich seitdem ereignet hat, zu denken an die Möglichkeiten, dass wir alle priviligiert sind heute hier zu stehen und uns vorzustellen, dass dieses Museum, dass aus einem Moment großen Protests entstand und einem, in dem es so sehr um die Betrachtung der Geschichte und des Erbes von wichtigen afroamerikanischen Künstlern in der Kunstgeschichte dieses Landes ging, wie Jacob Lawrence, Norman Lewis, Romare Beardon.

Und dann, natürlich, um uns in die Gegenwart zu bringen. 1975 hielt Mohammed Ali einen Vortrag an der Universität Harvard. Nach seinem Vortrag, stand ein Student auf und sagte zu ihm: "Gib uns ein Gedicht." Und Mohammed Ali sagte: "Mich, Wir." Ein tiefe Aussage über das Indivuduum und die Gemeinschaft, der Platz, in welchem jetzt in meinem Endteckungssprojekt über das Denken über Künstler, über den Versuch zu definieren was vielleicht die schwarze Kunst Kulturbewegung des 21. Jahrhunderts sein könnte. Was es heißen könnte, dieser Moment, für kulturelle Bewegungen überall, das "Mich, Wir" scheint unglaublich vorherwissend absolut wichtig.

Zu diesem Zweck, das bestimmte Projekt, dass dies für mich möglich gemacht hat ist eine Serie von Austellungen, alle mit einem F betitelt, "Freier Stil", "Frequenz" und "Fluss", welche aufgebrochen sind um, die jungen, schwarzen Künstler, die in diesem Moment arbeiten, zu entdecken und definieren, die, wie ich stark empfinde, ihre Arbeit über die vielen nächsten Jahre fortsetzen werden. Diese Austellungsserie wurde speziel gemacht, um zu testen und zu fragen, die Idee, was es heißen würde, jetzt, in diesem Moment in der Geschichte, Kunst als einen Katalysator zu sehen, was es jetzt heißt, in diesem Moment in der Geschichte, da wir Kultur definieren und neudefinieren, besonders schwarze Kultur in meinem Fall, aber Kultur, generell. Ich nannte diese Gruppe von Künstlern um diese Idee herum, die ich da herausgestellt habe, post-schwarz. War wirklich gemeint, um sie zu definieren, als Künstler, die gekommen sind und ihre Arbeit jetzt gestartet haben, zurückblickend auf die Geschichte, aber in diesem Moment startend, geschichtlich.

Es ist wirklich in diesem Sinne der Enteckung, dass ich eine neue Reihe von Fragen habe, die ich stelle. Diese neue Fragenreihe ist: Was heißt es, genau jetzt, ein Afro-Amerikaner in Amerika zu sein? Was kann künstlerische Darstellung darüber aussagen? Wo kann ein Museum existieren, als ein Platz für uns alle, um diesen Austausch zu führen? Wirklich, das Aufregendste hieran ist das Denken über die Energie und die Begeisterung, die junge Künstler hervorbringen können. Ihre Arbeiten sind für mich über, nicht immer, einfach nur über die ästethische Innovation, die ihre Geister hervorbringen, die ihre Visionen erschaffen und in die Welt hinaustragen, aber vielleicht wichtiger, durch die Begeisterung der Gemeinschaft, die sie erschaffen als wichtige Stimmen, die uns erlauben unsere jetztige Situation zu verstehen, genauso wie in der Zukunft. Ich bin dauernd verblüfft, über die Art, wie das Thema Rasse sich in verschiedene Orte einbringen kann, wo wir nicht glauben, dass es sein sollte. Ich bin immer verblüfft, über die Art, wie Künstler bereit sind, das in ihrer Kunst zu tun. Das ist wieso ich zur Kunst sehe. Das ist wieso ich Kunst Fragen stelle. Das ist wieso ich Austellungen mache.

Jetzt, diese Austellung, wie ich gesagt hatte, gemacht von 40 jungen Künstlern über den Zeitraum von acht Jahren und für mich geht es um das Bedenken von Implikationen. Es ist das Bedenken von Implikationen von dem, was diese Generation zu sagen hat zu den übrigen von uns. Es ist das Bedenken, was es heißt für diese Künstler beides zu sein, draußen in der Welt, da ihre Arbeit reist, aber in ihren Gemeinden, als Menschen, die sehen und denken über die Belange, die uns begegnen. Es ist auch das Denken über den kreativen Geist und ihn nähren. Und stellt auch vor, ins besondere im städtischen Amerika, über das Nähren vom Geist.

Nun, wo, vielleicht, endet dies jetzt? Für mich, ist es über das wieder-vorstellen dieses kulturellen Diskurses in einem internationalen Kontext. So wurde der letzte Teil dieses Projektes "Fluss" genannt, mit der Idee jetzt ein echtes Netzwerk von Künstlern überall auf der Welt zu erschaffen, wirklich sehend, nicht so sehr aus Harlem und heraus, aber hinüber sehend. Und "Fluss" sah Künstler an, die alle auf dem Kontient Afrika geboren wurden. Und wenn viele von uns nachdenken, über den Kontinent und darüber denken, was er bedeutet für uns alle im 21igsten Jahrhundert. Ich habe das begonnen, gesehen durch Künstler, durch Werke, und das Vorstellen, was sie uns über die Zukunft sagen, was sie uns über unsere Zukunft sagen, und was sie erschaffen in ihrem Sinn uns diese große Möglichkeit des Betrachtens anzubieten, das dieser Kontinent auftaucht, als Teil unseres größeren Dialogs. So, was entdecke ich,

wenn ich Kunstwerke angucke? Worüber denke ich nach, wenn ich über Kunst nachdenke? Ich fühle das Privileg, dass ich als Kurator habe, ist nicht nur die Entdeckung von neuen Werken, die Entdeckung von begeisternden Werken, aber wirklich, es war was ich über mich selbst entdeckt habe und was ich anbieten kann in dem Raum einer Austellung, über Schönheit zu reden, über Macht zu reden, über uns selbst zu reden, und miteinander zu reden und zueinander zu sprechen. Das ist es, was mich aufstehen lässt jeden Morgen und denken zu wollen über diese Generation von schwarzen Künstlern und Künstlern überall auf der Welt.

Danke.