Ben Cameron: Die wahre Macht darstellender Künste

Ich bin ein kultureller Allesfresser, einer, dessen täglichen Arbeitsweg das Tragen eines iPod möglich macht, eines iPods, auf dem Wagner und Mozart sind, Pop-Diva Christina Aquilera, Country-Sänger Josh Turner, Gangster-Rap-Künstler Kirk Franklin, Konzerte, Symphonien und vieles mehr. Ich bin ein unersättlicher Leser, ein Leser, der sich von Ian McEwan bis zu Stephanie Meyer durchliest. Ich habe die "Twilight"-Tetralogie gelesen. Und bin jemand, der für sein Heimkino lebt, ein Heimkino, in dem ich DVDs, Video-on-Demand und eine Menge Fernsehen verschlinge. Für mich, "Law and Order: New York", Tina Fey und "30 Rock" und "Judge Judy" -- "Echte Menschen, echte Fälle, endültige Richtersprüche." Nun, ich bin überzeugt, viele von Ihnen teilen wahrscheinlich meine Vorlieben, besonders meine Leidenschaft für "Judge Judy", und Sie würden jeden bekämpfen, der versuchte, sie uns wegzunehmen, ich bin mir jedoch nicht ganz so sicher, ob Sie die wichtigste Leidenschaft meines Lebens teilen, eine Leidenschaft für gewerbliche, darstellende Künste im Live-Format, darstellende Künste, die das orchestrale Repertoire aufführen, ja, aber auch Jazz, Ausdruckstanz, Oper, Theater und mehr und mehr und mehr.

Also, offen gesagt befürchten viele von uns, die in der Branche arbeiten, dass die Branche durch Technologie bedroht und möglicherweise entformt wird. Während wir zunächst das Internet als das fantastische neue Marketinginstrument ankündigten, das alle unsere Probleme lösen würde, erkennen wir nun, dass das Internet diesbezüglich, wenn überhaupt etwas, dann zu effektiv ist. Abhängig davon, wen man liest, steht ein Kunstverband oder ein Künstler, der versucht die Aufmerksamkeit eines potentiellen Einzelticket-Käufers zu erlangen im Wettstreit mit drei- bis 5.000 verschiedenen Marketing-Botschaften, die ein typischer Bürger jeden Tag sieht. Wir wissen tatsächlich, dass Technologie unser größter Rivale um Freizeit ist. Vor fünf Jahren haben Angehörige der Generation X 20,7 Stunden online und fernsehend verbracht, überwiegend fernsehend. Angehörige der Generation Y sogar noch mehr -- 23,8 Stunden, vorwiegend online. Und jetzt kommt ein typischer Erstsemester-Student der Universität am College an und war bereits 20.000 Stunden online und hat 10.000 weitere Stunden mit Videospielen zugebracht, eine nachdrückliche Erinnerung daran, dass wir in einem kulturellen Kontext tätig sind, in dem Videospiele höhere Verkaufszahlen erreichen, als Musik- und Filmaufnahmen zusammen.

Darüber hinaus befürchten wir, dass Technologie unsere wesentlichen Annahmen zum kulturellen Konsum verändert hat. Dank des Internets glauben wir, alles was wir wünschen, wann immer wir wollen bis an die Haustür geliefert bekommen zu können. Wir können morgens um drei shoppen, oder abends um acht und dabei Jeans bestellen, die auf unsere spezifischen Körpertypen zugeschnitten sind. Erwartungen an Personalisierung und Anpassung an Kundenwünsche, die von live darstellenden Künsten -- mit festgelegten Vorhangzeiten und Veranstaltungsorten, Besucher-Unannehmlichkeiten wie die Anreise, das Parken und so weiter -- einfach nicht befriedigt werden können. Und wir sind uns alle überaus dessen bewusst, was wird es in der Zukunft bedeuten, wenn wir jemanden auffordern, hundert Dollar für ein Symphonie-, Oper- oder Balletticket zu bezahlen, wenn der Kulturkonsument daran gewöhnt ist, im Internet rund um die Uhr ein Lied für 99 Cent oder umsonst herunterzuladen? Das sind immense Fragen für jene von uns, die in diesem Gebiet arbeiten. Doch so besonders sie uns scheinen, wir wissen, dass wir nicht alleine sind.

Wir alle sind eingebunden in eine seismische, grundlegende Neuordnung von Kultur und Kommunikation, eine Neuordnung, die Industrien erschüttert und dezimiert: die Zeitungs-Industrie, die Magazin-Industrie, die Buch- und Verlagsindustrie und weitere. So wie wir in den darstellenden Künsten aufgezäumt sind, durch antiquierte Gewerkschaftsverträge, die mechanische Vervielfältigung und Streaming behindern und oft verbieten, eingesperrt in große Einrichtungen, entworfen zur Versteinerung der idealen Beziehung zwischen Künstler und Publikum, die am besten ins 19. Jahrhundert passt und eingeschlossen in ein Geschäftsmodell, das von hohen Ticketeinnahmen abhängt, bei dem wir überzogene Preise verlangen, schaudern viele von uns im Nachbeben des Zusammenbruchs von Tower Records und wir fragen uns: "Sind wir die Nächsten?" Jeder, mit dem ich im Bereich der darstellenden Künsten spreche, stimmt den Worten Adrienne Richs zu, die in "Der Traum einer gemeinsamen Sprache" schrieb: "Wir sind draußen in einem Land, das keine Sprache, keine Gesetze hat. Was immer wir zusammen machen, ist reine Erfindung. Die Karten die man uns gab, sind um Jahre veraltet." Und die unter Ihnen, welche die Künste lieben, sind Sie nicht froh, dass Sie mich hierher eingeladen haben, um Ihren Tag zu erhellen?

(Gelächter)

(Beifall)

Nun, anstatt zu sagen, dass wir am Rande unserer eigenen Auslöschung stehen, bevorzuge ich zu glauben, dass wir in eine grundlegende Reform eingebunden sind, eine Reform gleich der Reformation des 16. Jahrhunderts. Die Kunstreform wird, wie die Religionsreformation, zum Teil durch Technologie angetrieben, wobei tatsächlich die Druckerpresse der Reformation den Durchbruch brachte. Bezeichnend für beide Umwälzungen waren zänkische Diskussion, innerlicher Selbstzweifel und massive Neuordnung überlebter Geschäftsmodelle. Und im Kern, denke ich, stellten beide Umwälzungen die Fragen: Wer darf praktizieren? Wie werden sie zur Ausübung berechtigt? Und wahrlich, brauchen wir jemanden um für uns zu vermitteln, damit wir eine Erfahrung mit einem geistig Göttlichen haben?

Chris Anderson, jemand den Sie sicher alle kennen, Herausgeber und Leiter des Magazins Wired und Autor von "The Long Tail - Der lange Schwanz", war für mich wirklich der erste, der eine Menge davon festmachte. Er schrieb vor langer Zeit, dank der Erfindung des Internet, Web-Technologie, Mini-Kameras und so weiter, wurden die Mittel künstlerischen Schaffens zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit demokratisiert. Wenn man in den 1930ern einen Film machen wollte, musste man für Warner Brothers oder RKO arbeiten, denn wer konnte sich ein Filmset eine Beleuchtungs-Ausstattung, Schnittmaschinen, Vertonung und das alles leisten? Und wer hier in diesem Raum kennt nicht eine 14-jährige, die fleißig an ihrem zweiten, dritten oder vierten Film arbeitet? (Gelächter) Ähnlich wurden die künstlerischen Vertriebswege zum ersten Mal in der menschlichen Geschichte demokratisiert. Wiederum in den 30er Jahren, übernahmen das Warner Brothers und RKO für einen. Heute ab zu YouTube, Facebook; und man hat eine weltweite Verbreitung ohne die Ungestörtheit des eigenen Schlafzimmers aufzugeben.

Diese Doppelwirkung verursacht eine gewaltige Neubestimmung des Kulturmarktes, eine Zeit, in der jeder ein potentieller Autor ist. Offengestanden, was wir in diesem Umfeld sehen ist eine kolossale Zeit, in der sich die ganze Welt verändert, während wir aus einer Zeit schreiten, in der Zuschauerzahlen abstürzen. Die Zahl der aktiven Künstler jedoch, Menschen die Poesie schreiben, Lieder singen, die in Kirchenchören mitwirken, explodiert über unsere kühnsten Vorstellungen hinaus. Diese Gruppe, andere nannten sie die "Pro Ams", Amateurkünstler, die auf professionellem Niveau arbeiten. Man sieht sie auf YouTube, bei Tanzwettbewerben, Filmfesten und so weiter. Sie erweitern grundlegend unsere Vorstellung der Möglichkeiten eines ästhetischen Vokabulars, während sie die kulturelle Autonomie traditioneller Institutionen herausfordern und untergraben. Letztlich leben wir heute in einer Welt, die nicht durch Konsum, sondern durch Teilnahme definiert wird.

Ich will jedoch klar sagen, genau wie die Reformation nicht das Ende der formellen Kirche oder des Priestertums bedeutete, glaube ich, dass unsere künstlerischen Institutionen weiterhin Bedeutung haben werden. Gegenwärtig sind sie für Künstler die beste Möglichkeit, ein Leben in wirtschaftlicher Würde zu führen, nicht im Überfluss, in Würde. Und sie sind der Ort, an dem Künstler, die es verdienen und wünschen, mit Mitteln einer bestimmten Größenordnung zu arbeiten, eine Heimat finden. Diese jedoch mit der Gesamtheit der Kunstgemeinde gleichzusetzen greift bei weitem zu kurz. Während wir dazu neigten den Amateur scharf vom Profi abzugrenzen, war tatsächlich die allerwichtigste Entwicklung in den zurückliegenden fünf bis zehn Jahren das Auftauchen des professionellen Hybrid-Künstlers, des professionellen Künstlers, der nicht hauptsächlich in der Konzerthalle oder auf der Bühne arbeitet, sondern am häufigsten zu Fragen der Frauenrechte, der Menschenrechte, oder globaler Erwärmung, oder eben der AIDS-Hilfe, nicht aus wirtschaftlicher Notwendigkeit, sondern aus einer tiefen, organischen Überzeugung heraus, dass die Arbeit zu der sie oder er berufen ist, nicht im althergebrachten abgeschirmten Umfeld der Kunst verwirklicht werden kann.

Die heutige Tanzwelt wird nicht allein vom Royal Winnipeg-Ballett oder dem kanadischen Staatsballett bestimmt, sondern von Liz Lermans Dance Exchange, einem generationsübergreifenden, professionellen Tanzensemble, dessen Tänzer zwischen 18 und 82 Jahre alt sind und mit Genomforschern arbeiten, um den DNA-Strang zu verkörpern und mit Kernphysikern im CERN. Die professionelle Theatergemeinde von heute wird nicht allein von den Shaw und Stratford-Festspielen bestimmt, sonden vom Cornerstone Theater in Los Angeles, einem Künstlerkollektiv, das nach dem 11. September 10 verschiende religiöse Gemeinden zusammenbrachte -- Bahia, Katholiken, Muslime, Juden, selbst amerikanische Ureinwohner und homosexuelle Glaubensgemeinschaften und ihnen half, ihre eigenen individuellen Stücke zu schaffen und ein gigantisches Stück, in dem sie die Unterschiede ihres Glaubens erkundeten und Gemeinsamkeit als einen ersten wichtigen Schritt zu gemeinschaftsübergreifender Heilung zu finden. Heutige Darsteller wie Rhodessa Jones arbeiten in Frauengefängnissen, sie helfen Frauen dabei, den Schmerz der Kerkerhaft auszudrücken, während heutige Stückeschreiber und Regisseure mit Jugendbanden arbeiten, um alternative Ausdrucksmöglichkeiten statt Gewalt zu finden und vieles, vieles mehr. Und ja, ich denke, eher als ausgelöscht zu werden, sind die darstellenden Künste an der Schwelle einer Zeit aufgestellt, in der wir bedeutender sein werden, als wir es jemals waren.

Nun, wir haben es schon lange gesagt, wir sind entscheidend für die Gesundheit der ökonomischen Gemeinschaften in Ihrer Stadt. Und zwar hundertprozentig. Ich hoffe Sie wissen, dass jeder Dollar, der in einer Gemeinde für ein Billet der darstellenden Künste ausgegeben wird, weitere fünf bis sieben Dollar für die lokale Wirtschaft generiert, Dollar, die in Restaurants ausgegeben werden, oder fürs Parken, beim Tuchhändler, wo wir Stoffe für unsere Kostüme kaufen, dem Klavierstimmer, der die Instrumente stimmt und so. Aber die Künste werden bedeutender für Volkswirtschaften, während wir voranschreiten, besonders in Industrien, die wir uns bislang nicht einmal vorstellen können, genauso wie sie entscheidend für den iPod waren und die Computerspiele-Industrie, die wenige, wenn überhaupt jemand von uns, vorhergesehen haben vor 10 oder 15 Jahren. Unternehmensführung wird zunehmend von emotionaler Intelligenz abhängen, der Fähigkeit genau zuzuhören, Einfühlungsvermögen zu haben, Veränderung auszudrücken, andere zu motivieren -- genau jene Fähigkeiten die Kunst bei jeder Begegnung kultiviert.

Gerade jetzt, da wir uns alle dem Irrtum der ausschließlichen Marktorientierung stellen müssen, uniformiert durch soziales Gewissen, müssen wir die Macht der Kunst ergreifen und preisen um unsere individuellen und nationalen Eigenarten zu formen, und insbesondere das Wesen der jungen Menschen, die allzu oft eher dem Bombardement der Sinneseindrücke als bewusst aufgenommener Erfahrung unterworfen sind. Letztlich, gerade heute, in dieser Welt, in der wir im Kontext regressiver und lästiger Einwanderungsgesetze leben, mit Reality-TV das durch Erniedrigung gedeiht, und in einem Kontext kritischer Beurteilung, wo das, was wir am häufigsten hören, tagein, tagaus in den Vereinigten Staaten, an jedem Bahnhof, jedem Busbahnhof, jedem Flughafen ist: "Meine Damen und Herren, bitte melden Sie jedes auffällige Verhalten oder verdächtige Personen der nächstliegenden Behörde." Wo wir auf all diese Arten ermutigt werden unseren Nächsten mit Feindseligkeit zu begegnen und Furcht und Verachtung und Argwohn.

Die Künste, was auch immer sie machen, laden uns jedesmal, wenn sie uns zusammenführen, dazu ein, unser Gegenüber mit Großmut und Neugier zu betrachten. Weiß Gott, wenn wir diese Fähigkeit jemals in der Geschichte der Menschheit brauchten, dann brauchen wir sie jetzt. So sind wir also miteinander verbunden, denke ich, nicht durch Technik, Unterhaltung und Design, sondern durch eine gemeinsame Sache. Wir arbeiten daran, gesunde, pulsierende Gesellschaften zu fördern, um menschliches Leiden zu mildern, um eine umsichtigere, substantielle, empathische Weltordnung zu schaffen.

Ich grüße Sie alle als Aktivisten in dieser Aufgabe und dränge Sie, die Kunst in Ihrer Arbeit zu umklammern und ihr einen hohen Stellenwert einzuräumen, was auch immer Ihr Ziel sein mag. Ich versprechen Ihnen, die Hand der gemeinnützigen Doris Duke-Stiftung ist heute und in kommenden Jahren in Freundschaft ausgestreckt. Und ich danke Ihnen für Ihre Güte und Ihre Geduld mir heute Nachmittag zuzuhören.

Vielen Dank und viel Glück.